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La '''musique baroque''' (du portugais ''barroco'' désignant une pierre irrégulière, cognat du castillan ''berrucco'') fait référence à un courant musical qui s'inscrit dans le mouvement artistique plus large du '''baroque'''. La '''musique baroque''' recherchait l'audace, la somptuosité, l'imagination et les contrastes, en opposition à la '''musique classique''', période qui s'ensuivit, qui avait opté pour le retour aux sources antiques, l'équilibre, l'harmonie et la raison dans les arts.
Le terme '''musique baroque''' est toujours universellement utilisé et accepté pour indiquer sans distinction les styles musicaux qui ont évolué après la musique de la Renaissance et avant le développement du style classique, bien que cette catégorisation soit historiquement très contestée par les musicologues. En effet, l'extrême variété des styles ne permet pas de les réorganiser de manière cohérente de manière unitaire ; avec des arguments similaires, Manfred Bukofzer est allé jusqu'à affirmer que la musique baroque n'existe pas.
 
== Origines ==
==Caractéristiques générales==
La musique baroque naquit en Italie avec l'opéra de [[w:Claudio_Monteverdi|Claudio Monteverdi]] (1567 - 1643) ''l'Orfeo'' (1607), où il rompit avec le style alors en vigueur, le changeant. Cette œuvre allait préparer l'Europe au changement définitif à la période baroque suite à la période de la Renaissance en musique. En effet, le baroque était, à ce moment-là en devenir, un style qui n'allait non plus se satisfaire de compléter une polyphonie vocale, dans laquelle les voix se correspondent harmoniquement, mais un véritable mouvement dont la musique utilisait des structures qui s'émancipaient de cette polyphonie, construisant des voix qui, prises indépendantes, sont mélodiquement et harmoniquement intéressantes, mais qui, prises en tant que tout, forment un système complexe générant de nouvelles harmonies insolites.
 
Le baroque ne s'arrêta pas aux frontières de l'Italie mais commença à se répandre dans toute l'Europe.
La musique baroque, par analogie avec les autres formes d'art de l'époque, vise à étonner et amuser l'auditeur. Les éléments caractéristiques de la production musicale de cette période sont les changements brusques de temps, les passages d'une grande virtuosité instrumentale ou vocale et l'utilisation du contrepoint et de la fugue, ainsi qu'un sens développé de l'improvisation.
 
== La fuguemusique baroque en Allemagne ==
==Musique instrumentale==
S'il fallait citer un musicien qui avait véritablement révolutionné la période baroque, bien qu'alors sur le déclin, et a contribué d'importants changements à la musique en tant qu'art dans sa globalité, on choisira Jean-Sébastien Bach (1685 - 1750). Titan dans l'histoire de la musique, il a composé deux livres de préludes et de fugues, publiés en 1722 et en 1744 respectivement. Ces deux ouvrages peuvent être considérés à eux seuls comme des manuels témoin complets à propos de la musique baroque, tant ils rivalisent d'ingéniosité et de complexité. Dans chacune de ces 96 œuvres, on trouve l'imagination et l'audace voulue par le mouvement baroque. Toutefois, cette musique n'a pas écrite au hasard, pour ainsi dire. En effet, elle obéit à des règles compositionnelles extrêmement précises, dont Bach est parvenu à s'émanciper pour créer un tout complexe et riche.
 
== La musique baroque en Angleterre ==
===Il Concerto grosso===
Les principaux représentants de la musique baroque en Angleterre sont Henry Purcell (1659 - 1695) et Georg Friedrich Haendel (1685 - 1759). C'est à eux seuls qu'on doit le développement d'une forme typiquement anglaise de musique baroque, malgré des influences diverses provenant des pays voisins comme l'Italie ou la France.
La genèse du concerto grosso se trouve dans une sorte d'expansion sonore de la forme des trois sonates, dans les deux genres « église » et « chambre », et remonte au milieu du XVII{{e}} siècle. Il est développé à Rome dans les années 1680 par Arcangelo Corelli.
 
===Il concerto solista===
Antonio Vivaldi est généralement considéré comme l'inventeur du concerto solista, c'est-à-dire l'évolution du « grand concert » vers une forme musicale qui prévoit un ou plusieurs instruments solistes auxquels est affectée une partition ou une section « obligatoire » (communément appelée séquence) dédiée à l'improvisation de l'interprète.
 
===La suite===
La forme de la suite provient de la pratique d'accompagner et de soutenir la danse avec un nombre plus ou moins élevé de voix ou d'instruments, mais le terme de suite apparaît pour la première fois dans une collection publiée par le compositeur français Philippe Attaignant en 1529.
 
La réduction de la suite à quatre danses « basiques » (allemande, courante, sarabande et gigue) est due à Johann Jakob Froberger, élève de Frescobaldi. C'est le modèle de base ; aussi Johann Sebastian Bach ne le suit-il que pour certaines de ses suites (ses suites anglaises, par exemple, sont divisées en huit danses).
 
===La sonate baroque===
Le modèle original apparaît à Venise vers la fin du XVI{{e}} siècle, grâce aux organistes et violonistes qui servent dans la chapelle de la basilique Saint-Marc, mais l'idée d'une forme instrumentale totalement indépendante de la musique vocale prend racine dans les autres grands centres musicaux de l'Italie de l'époque, comme la basilique de San Petronio à Bologne.
 
A partir de la seconde moitié du XVII{{e}} siècle, les trois sonates se divisent en deux formes complémentaires : d'une part la « sonate d'église », destinée initialement à remplacer les parties manquantes de la liturgie vocale et donc caractérisée par une écriture en contrepoint sévère, d'autre part la « sonate de chambre », à l'origine destinée au divertissement et donc marquée par l'écriture rythmico-mélodique typique des formes de danse.
 
==Opéra==
Le mélodrame naît à Florence à la fin du XVI{{e}} siècle et, grâce à Claudio Monteverdi, il se diffuse énormément à l'époque baroque, s'imposant surtout à Rome et à Venise.
 
La sévérité de l'œuvre primitive, toujours imprégnée par l'esthétique de la fin de la Renaissance, est ensuite remplacée par un goût pour la variété de la musique, des situations, des personnages et des intrigues ; tandis que la forme de l'air, avec sa mélodie captivante et son occasion de chanter, prend de plus en plus le dessus sur le récitatif des dialogues et, par conséquent, à l'aspect littéraire, le chant devient de plus en plus fleuri.
 
== La fugue baroque ==
Jean-Sébastien Bach a composé plus de 1 000 œuvres. Sa collection de préludes et de fugues intitulée ''Le Clavier bien tempéré'' constitue un répertoire monumental et définitif de ce qui concerne l'état de la forme appelée évasion dans l'espace baroque. Il a pleinement exploré la possibilité de jouer des compositions dans les 24 accords majeurs et mineurs du clavier, à la suite de l'abandon du système d'accord mésotonique au profit des soi-disant « bons tempéraments » (qui précède l'adoption ultérieure, au cours du XIX{{e}} siècle, du tempérament égal).
 
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[[Catégorie:Chapitres de niveau débutant]]
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